La creación del séptimo arte se debe a la fusión de varios acontecimientos y desarrollos. La supuesta invención de Daguerre abrió paso a que Thomas Alva Edison, interesado en la síntesis del movimiento, obtuviese la grabación de imágenes sucesivas en el celuloide que aportó George Eastman, monopolizador mundial de de la fabricación de película cinematográfica. Tras diversos y curiosos experimentos, se arribó a la mágica fecha del 22 de marzo de 1895. En la vieja Europa, en París concretamente, tuvo lugar la primera proyección de los hermanos Lumière: «Sortie des ourvriers de l´usine Lumière». Con este proyecto se inicia la aventura de narrar historias a través de la imaginación. La pantalla de plata ya es un hecho. Paulatinamente va surgiendo una industria de producción, distribución y exhibición de esta manifestación artística que llegará a ser poderosa e influenciará de forma muy notable a toda la humanidad. EL CINE comienza a formar parte de nuestras vidas.
«Basada en una novela que cuenta la historia de Hugh Glass, un cazador de pieles que fue atacado por un oso y luego dado por muerto por los hombres que se suponía iban a cuidara él, la película es un testimonio del drama, del sufrimiento de un hombre rodeado de compañeros que por circustancias de la vida en un momento dado se encuentra solo, desamparado y en la que bajo estos términos debe luchar por su vida y cumplir una ansiada venganza.»
Alejandro González Iñárritu es un gran cronista de expertos del sufrimiento y hace que sus películas sean grandes experiencia emocionales. Todavía recuerdo esa sensación de hundimiento que tuve cuando vi «Amores perros» «Babel» y «Birdman». Iñarritu parece fascinado por rebuscar en loslados más reconditos y oscuros del corazón del humano y no le importa si lo destructivo viene de dentro o de fuera. Lo que más le importa a él como director de cine es que nos volvamos a levantar con el corazón malogrado y con este fin, «The revenant» se presenta como la máxima expresión de lo que , en su trabajo, ha estado persiguiendo hasta la fecha.
El guión, adaptado por Iñárritu y Mark L. Smith de la novela histórica de Michael Punke, no trata de contar la historia con total veracidad. Se realizaron algunos de los puntos principales de la historia real de Hugh Glass, pero Iñárritu y Smith se han centrado en una relación principal, la de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) y John Fitzgerald (Tom Hardy). Fitzgerald es sólo uno de los hombres integrantes parte dela importante expedición Big North, cuya misión es conseguir el máximo número de pieles.
Llega uno de los momentos más impresionante del film, el ataque de una tribu de indígenas que es lo más parecido a la realidad virtual, lo más parecido que se puede encontrar a esta escena es el Circle Vision 360 de las salas Disney, donde te pones de pie en el centro de una habitación que está completamente rodeada por pantallas de varios pisos de altura. Son de esas experiencias visuales que solo ves con esos aparatitos o con una pequeña dosis ácida. Lo más parecido a la realidad virtual es lo que Iñárritu y el director de fotografía Emmanuel Lubezki han logrado aquí, una película visualmente hermosa y visceral.
Olvídate de las típicas escenas de tiros y flechas entre «indios y vaqueros» típicas de otros años, esto va mucho más allá, movimientos de cámara imposibles que te hace dudar si es real lo que estamos viendo.
El ataque del oso sirve como pieza fundamental de la primera parte de la película. Esos notables, majestuosas y bellos animales respetuosos con el medio ambiente pero que en un momento dado un encuentro con uno de ellos y más si es mamá osa puede convertirse en lo más aterrador que hayas vivido, si es que logras sobrevivir a ese encuentro. Glass en la búsqueda de alimentos para ayudar a las personas del grupo dirigidos por Andrew Henry (Domnhall Gleeson) se detiene, al oír algo en la maleza. Ve un grupo de bebés oso y el susto de Glass se convierte en alivio al ver que son bebes, pero, entre la maleza se oye un ruido y antes que pueda decidir que hacer mamá osa se abalanza sobre él y se convierte esta escena en una de las cosas más salvajes, delirantes y terroríficas que he visto en años, si alguna vez te has preguntado exactamente por qué los osos son peligrosos, esto va a responder a tus preguntas. Es una puesta en escena espectacular, y voy a ser honesto … No sé exactamente lo que estaba viendo. Teniendo en cuenta lo real que parece, es muy posible que le hayan dicho a Di Caprio, «Mira, si quieres ganar el Oscar, vas a tener que dejar que el oso te mutile. Vamos a tratar de detenerlo antes que te mate pero si no lo conseguimos, solo sabemos … que se verá sensacional «. Hay un momento en el que mamá osa satisfecha de haber neutralizado la amenaza hacia sus pequeños cachorros, se dirige hacia ellos, entonces Glass se arrastra hacia su arma y se las arregla para disparar a la gran osa, y al hacerlo, se las arregla para enfurecerla de nuevo, dando lugar a una nueva ronda de ataques violentos. Es una secuencia sensacional, y que demuestra una vez más cuán alto es el nivel técnico que han logrado alcanzar Innaritu y Lubezki.
La película está llena de imaginería cruda y brutal de principio a fin. El ataque de un oso es lo peor que le sucede a Hugh Glass, pero toda la película presenta el bosque como un paisaje implacable en la que la lucha por la vida llega a ser un «poema sinfónico». He leído a algunas personas tratando de comparar esto con la obra de Terrence Malick, pero están totalmente desatinadas. Claro, Malick ha utilizado a Lubezki para rodar una película, y claro, hay un montón de fotografía de naturaleza en el cine de Malick, pero en términos de visión del mundo, no podía ser más opuesto. Malick cree en el hombre como parte de la naturaleza, en constante lucha por encontrar su lugar en el orden de las cosas, pero Iñárritu ve la naturaleza como una fuerza aterradora que determina al hombre atrevido por tener la arrogancia de impugnarla.
Los tramperos que Hugh Glass había contratado para la misión están cerca de terminar con su botín cuando son atacados por los indios que casi los destruyen todos. Mientras que el ataque parece al azar en un primer momento, no hay una razón subyacente para ello, y que la razón se convierte en el hilo conductor de la película. Mientras Hugh Glass y su venganza justamente es el foco principal de la película, en «The Revenant» , Glass afronta la venganza y la lucha por la supervivencia en una oda que el solo debe afrontar.
Glass sabe exactamente y solo él quien es arquitecto de su miseria, luchará por y con su vida por alcanzar tan ansiada venganza con los indios pisándole los talones. La venganza nos convierte en locos, y cuando eso sucede, el mundo entero se convierte en nuestro enemigo.
El gran registro que tiene DiCaprio es asombroso de presenciar y es por lo que realmente Iñarritu apostó, al igual que hizo Mel Gibson con Jim Caviezel para La pasión de Cristo, salvando las distancias entre actores claro está.
Hay un punto en el guión, al final de la película, donde la narración se queda activamente detrás de la historia real con el fin de envolver las cosas de una manera limpia y oportuna , y es como el guión se pone exponencialmente mudo en cuestión de páginas. Las personas de repente hacemos malas decisiones sin razón alguna , y si bien hay un encuentro final bastante entusiasta entre Glass y Fitzgerald , cómo la película llega allí, es un poco decepcionante. No había manera de contar exáctamente toda la historia como realmente sucedió ya que en realidad pasan bastantes años para llegar al momento venganza
Aún así , » The Revenant » es un poderoso evento cinematográfico, con una puntuación tremenda para Bryce Dessner , Carsten Nicolai , y Ryuichi Sakamoto. La edición de Stephen Mirrione de las brutales escenas rodadas por Iñárritu y Lubezki es impresionante y el diseño de producción de Jack Fisk se siente en carne viva y nada artificial. Es tan impresionante como cualquier película estrenada en 2015, aunque la narración se tambalea en algunos aspectos fundamentales que impiden sea adorada completamente por lo que no debe considerarse una obra maestra pero si una gradísima película.
«The Revenant » no puede ser su mejor película todavía, pero es difícil imaginar que muchos realizadores estén trabajando en un nivel más alto que él en nuestros días. Sin duda es una película que todo el mundo debería ver en pantalla grande y a ser posible en versión original para disfrutar al completo de la impresionante magnitud de sus imágenes y que cada cuál saque de su interior al crítico que todos llevamos dentro.
Cuando ROMAN POLANSKI estrenó ROSEMARY´S BABY (LA SEMILLA DEL DIABLO) sugirió una posibilidad espeluznante: LOS AQUELARRES, LAS SECTAS Y EL SATANISMO no eran solamente un asunto medieval, sino también urbano y contemporáneo. Nuestros vecinos a pesar de su aspecto de tiernos abuelitos, podrían ser consagrados brujos. Desde entonces, la gente común comenzó a familiarizarse con cierta terminología salida, en su mayoría del libro del APOCALÍPSIS DE LA BIBLIA, que prácticamente terminó convertido en un guión cinematográfico.
EL EXORCISTA (WILLIAM FRIEDKIN, 1973) y sus dos secuelas, fueron un imulso importante para el cine demonológico, que puso en circulación ciertas prácticas y mitologías como los exorcismos, los mensajes dichos al revés, las levitaciones e introdujo el asunto, hoy recurrente, de las posesión diabólica.
LA PROFECÍA (RICHARD DONNER, 1976) y sus tres secuelas, pusieron de moda otros tópicos sobre el asunto, como la llegada del ANTICRISTO, el 666 como simbolo y número de la bestia y algunas interpretaciones libres desprendidas del último libro bíblico. El cine de terror ha vivido de esta vertiente y son muchas las películas y otros tantos los enfoques que se han dado.
El viejo mito de FAUSTO y la venta del alma, por ejemplo, fue modernizado y revisado por ALAN PARKER en (EL CORAZÓN DEL ÁNGEL, 1987) y algunas aventurillas un poco más rebuscadas han nutrido el cine serie B. (EL MUÑECO DIABÓLICO, TOM HOLLAND 1988) es uno de ellos.
Aunque todo parece en chanza, en (EL DÍA DE LA BESTIA, 1995) de ÁLEX DE LA IGLESIA en la que no duda en echar mano a esta mitología ya reconocida por el espectador y también a cierta iconografía.
Los rituales, los arcanos, la representación del DEMONIO como un negro macho cabrio, las invocaciones y un viejo mito de toda la vida, el de la sangre de la doncella, son los elementos sobre los que erige su película. Según cuentan, el rodaje mismo no se libró de los pequeños pero significados incidentes y accidentes que se atribuyen a toda obra artística que toca el tema de lo demonológico.
Todo es horrible. Si están drogados quieren desengancharse, y si no lo están, quieren engancharse. Y así, entrando y saliendo del mundo alucinado, el tiempo se les va escapando este grupo de amiguetes de Edimburgo que eligieron no elegir. Chuches van. Chutes vienen… Y la vida pasa.
Tras una larga reflexión en la que se pone sobre la balanza las ventajas y las desventajas de la heroína, Renton (Ewan McGregor) decide que es hora de desengancharse. Así que va a meterse su último y espactacular chute a la casa de la madre superiora, un vendedor de drogas cuyo apodo le viene por el tiempo que lleva con el hábito. Abastecido con abundantes latas de sopa, enjuague bucal, pornografía y otros implementos, se encierra en su habitación para iniciar el duro, largo y penoso camino de desengancharse.
Lo más difícil para un desenganchado es reiniciar la vida social con sus otros amigos enganchados y Renton no es la excepción tras una pequeña crisis con unos supositorios de opio de encontrarse con sus colegas stick boy un experto en Sem Connery el alocado Sport Bremer Kevin McKidd García Delgado y Benji un esquizofrénico salvajes y vídeo del ti Ximo charlatán que tampoco toca la heroína discotecas consumiendo alcohol y drogas blandas Elton va transcurriendo entre otras cosas va a casa de Toni y le roba un vídeo que el chico ha grabado haciendo el amor con su novia redescubre el sexo que va desde sus tiempos de heroinómano y para ello elige a Diane una precoz adulta que no es más que una colegiala
Sin heroína la vida no es tan divertida así que ven tom decide volver a los chutes el hijo de una amiga muere Spud va preso al ser abandonado por su novia por el incidente del vídeo perdido se engancha malamente y contra el SIDA en el hospital por una sobredosis sus padres lo desenganchan con terapia de aislamiento se va a tener se va a tener una vida normal en Londres hasta que se instalan en su casa Beli Steamboy manos un negocio de venta de droga es muy buenos dividendos Lucio pero aparentemente perfecto sobre todo para rentón hicieron mucho a lo mejor obra mal breve meditación lo cierto es que soy una mala persona.
EL CREDO NIHILISTA
«Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige la salud, colesterol bajo y seguros dentales. Elige pagar hipotecas a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: yo elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?».
LA PANDILLA TÓXICA
La subcultura de la jeringuilla en el Reino Unido que patética y divertidamente expuesta en Trainspotting, película de culto de los noventa que relata las andanzas de un grupo de colegas que van por la vida de chute en chute, esperando la nada.
Nada tienen que perder. Nada tienen que ganar. Sus vidas son muy sencilla. Cuando están drogados, quieren desengancharse y cuando están lúcidos, quieren drogarse. A los chicos de Trainspotting se les va la vida entre chute y chute. Y eso es todo. Anécdota mínima, efecto máximo. Allí está el secreto del éxito del libro de Irving Welsh que, en menos de tres años, se hizo exitosa pieza teatral, película de culto, vídeo de colección y solicitado disco compacto hasta devenir. Finalmente, en fenómeno social y manual del perfecto nihilista de los noventa.
Trainspotting es una contemporánea fábula intravenosa de reminiscencias surrealistas. Y, aunque tiene vocación coral, pandillera y colectiva, todo se articula alrededor de Renton, su auténtico antihéroe y legítimo perdedor que, después de la película, quedará permanentemente pegado a la cara de Ewan McGregor. Sus mordaces reflexiones son la voz cantante, el hilo conductor que obliga al espectador a dar un paseo -macabro pero divertido- por los oscuros túneles de su mente en constante excitación. Y es a través de sus palabras como queda traducida la filosofía de sus vidas, donde hay carencias en todo y aspiraciones de nada.
El enigmático título sigue siendo una incógnita. En principio se supone que trainspotting es un hooby (muy británico y, adicionalmente muy inútil que consiste en hacer el tonto sentado en un andén del metro y dedicarse, bobamente, a anotar en una libretita los horarios de la llegada de cada tren. A prtir de allí, según Danny Boyle, director de la película, «se ha convertido en un término que designa a toda persona con un comportamiento obsesivo, gente que hace cosas patéticas e inútiles, como aprenderse de memoria todo lo relaccionado con Sean Connery». Sin embargo, McGregor dijo que tenía que ver con las marcas de los pinchazos que quedan plasmadas en los brazos de los adictos y que se asemejan a uno de esos mapas con las rutas de los trenes.
Todo podría ser. Pero lo cierto es que, desde 1996, para el común de la gente, Trainspotting no es más que el sinónimo de una película literalmente alucinante, un film que se hizo cult-movie apenas nació y que pronto se transformó en uno de los iconos más adorados de la cultura pop de los noventa. Temáticamente está cerca del retrato social, pero estilísticamente, muy lejos del documental. Hay que mirarla con cuidado, pues aunque se acuñan frases como «Intenta recordar tu mejor orgasmo. Ahora multiplícalo por mil y ni siquiera estarás en el umbral del placer que produce un buen chute de caballo«, no es una apología de las drogas. En realidad no es una apología de nada. Es una película, un divertimento que propone un paseo por la subcultura de la jeringuilla en el Reino Unido.
Huyendo como de la peste del cine realista, duro y posthatcheriano de Ken Loach y otros cineastas de moda en su día en el Reino Unido, el trío confirmado por Danny Boyle, el productor Andy McDonald y el guionista John Hodge, decidió crear su mecanismo de distanciamiento a través del espectáculo y una definida postura estética. La novela de Welsh los colocaba en una disyuntiva. En primer lugar, tenía un tema muy propicio para hacer una sesuda radiografía social. Y, por otro, la estructura no se prestaba para una adaptación cinematográfica. «Demasiado episódica, demasiados monólogos, demasiados personajes…», recuerda Hodge. Pero estaban muy entusiasmados, así que idearon una funcional y atractiva puesta en imágenes que queda ejemplificada en escenas como la ya mítica y repugnante secuencia en la que Renton intenta rescatar la droga que se le ha caído en el inmundo water de un baño público.
Con este malabarismo cinematográfico colocaban su propia barrera entre Ken Loach y sus amigos, mientras que se aproximaban a Tumba abierta, la primera película del trío. El efecto no se hizo esperar y, desde su estreno, la película ha ocupado ampliamente la atención de la prensa, la crítica y el público. Fanáticos a ultranza no le faltan. Y he aquí la paradoja, Trainspotting indujo a comportamientos obsesivos, a que la gente hiciera cosas tan patéticas e inútiles como aprenderse de memoria todo lo relacionado con… Trainspotting.
ALGUNAS COSAS QUE HAY QUE SABER
⊗ Casi todos los interiores de Tranispotting se rodaron en una fábrica de cigarrillos que estaba abandonada.
⊗ Antes de rodar, los actores pasaron un periodo de convivencia. Vieron y analizaron las películas La naranja mecánica, El buscavidas, Uno de los nuestros, Los viajeros de la noche y El exorcista.
⊗ La estética siniestra y depresiva de Trainspotting está inspirada en la desgarradora obra de Francis Bacon.
⊗ John Hodge, el guionista, es médico. En un principio alternó su profesión con la de escritor. Después de Trainspotting decidió que el cine era más rentable que la medicina.
⊗ Ewan McGregor debió adelgazar 12 kilos para poder realizar el papel de Renton.
⊗ Tal es la complejidad del slang que hablan los jóvenes de las calles de Escocia que, en Estados Unidos, Trainspotting tuvo que ser exhibida con subtitulos.
⊗ Hay nueve escenas que se suprimieron de la versión original de Trainspotting, llegó a circular un vídeo pirata por el Reino Unido con las escenas.
⊗ A pesar del éxito de Trainspotting, su lista de premios no es demasiado cuantiosa. Obtuvo una nominación al Oscar para el mejor guión adaptado y algunos premios francamente menores.
⊗ En España, Trainspotting logró recaudar 440 millones de pesetas. Se estrenó modestamente el 27 de noviembre de 1996 con 48 copias en todo el país y sorprendentemente se mantuvo en cartelera a lo largo de 31 semanas, atrayendo la atención de 783.854 espectadores.
TRAINSPOTTING EL DISCO
Juventud y drogas están muy unidas a la música, y una de las mejores películas que casi cerró el siglo 20 que tratase sobre juventud y drogas, estaba obligada a tener una potente banda sonora. El disco es un delirante paseo sonoro que se inicia con Iggy Pop, verdadero objeto de admiración de Irving Welsh, que interpreta el tema Lust for life, para seguir con el tema Trainspotting, con Primal Scream, hasta aterrizar en curiosidades como esa versión del Atomic, de Blondie, retomada por Temptation, así como también canciones de Blur p Pulp.
«Trainspotting más que una moda fue un fenómeno sociológico heredero de tres conceptos, sexo, droga y rock and roll (…) la película tiene una gran dosis de autenticidad, especialmente en aquellas escenas que muestran hasta el mínimo detalle todos los preparativos de la heroína antes de ser inyectada. El ritual de preparación de la droga es uno de los momentos más brillantes del filme».
Año 2015 Duración 108 min. País Estados Unidos Director Joel Edgerton Guión Joel Edgerton Música Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía Eduard Grau
Jason Bateman es Simon Callum
Rebecca Hall es Robyn Callum
Joel Edgerton es Gordon «Gordo» Mosley
Tim Griffin es Kevin «KK» Keelor
Allison Tolman es Lucy
Beau Knapp es Detective Walker
P.J. Byrne es Danny McDonald
David Denman es Greg
Busy Philipps es Duffy
Wendell Pierce es Detective Mills
Katie Aselton es Joan
No tenía muchas expectativas puestas en este psicothriller y más siendo el debut en la dirección de Joel Edgerton el que por cierto es uno de los «protas». La verdad es que el comienzo está demasiado sobado en esta clase de películas y hasta que de verdad arranca la verdadera trama es un poco insulso, eso si una vez arranca se vuelve sumamente intrigante, sabes que algo va a suceder y no va a ser bueno.
Una pareja de se muda a una nueva ciudad, en la mudanza comienzan a conocer a los vecinos y en una de sus compras en un centro comercial se les acerca un desconocido que dice conocer a Simon Callum (Jason Bateman) de los tiempos de la escuela. De repente comienzan los regalitos, pero nada como el regalo final… A partir de ahí comienza una relación a tres con alguna que otra cena en la que recuerdan aquellos años y se cuentan como les va sus vidas después de tantos años. Lo que al principio parece divertido y ameno, se va convirtiendo en irritable para Jason, el cual quiere dejar zanjada la relación, no sabemos el motivo…
Tiene unos cuantos giros y ciertamente, por lo menos para mi, son todos predecibles menos uno. Sin entrar a contar nada por lo de los spoilers, es un trhiller que te deja con buen y mal sabor de boca en cuanto a la historia en si, que no en cuanto a la calidad.
Me recuerda a esos psicothrillers de los 90, «Mujer blanca soltera busca» «La mano que mece la cuna» pero sobre todo a «Atracción fatal» no son de primera categoría, véase «El silencio de los corderos» o «Seven» que son palabras mayores, pero si está en la categoría de los que son muy efectivos.
Excelente debut en la dirección de Edgerton y magnífica su interpretación en el papel del misterioso e inquietante «Gordo». Con la buena realización de Edgerton, este film no se convierte en monótono y gracias a su guión el filme no decae que es lo que suele pasar con estas películas, al revés el interés va «in crescendo». Con un ínfimo presupuesto de 5 millones de dólares, seguro que Edgerton tendrá muchas oportunidades de seguir en su faceta realizadora.
«STARDUST MEMORIES» (Recuerdos de una Estrella),(Woody Allen,1980).
Tengo que decir que he visto esta peli por primera vez y que estoy maravillada y me alegro de haberla visto ahora y no hace años ,porque es ahora cuando estoy en situación de apreciar detalles que con 20 años me habrían pasado desapercibidos.
Escrita,dirigida e interpretada por Allen,destila inteligencia a rabiar,humor y drama,critica social y política y como siempre una música acertada y personal que además coincide con mis gustos.
El director de cine Sandy Bates (Allen),reflexiona sobre su obra,sus relaciones y el sentido de la vida en general y como es costumbre en él ,sobre sus mujeres,en este caso Charlotte Rampling,Jessica Harper y Marie -Christine Barrault.
Presente aqui la magia que es un tema tratado más veces por él,el Arte «Solo se puede controlar el Arte y la masturbacion,dos cosas en las que soy un experto»,la existencia de Dios «Para ti soy un ateo,para Dios soy la oposición»,y con una serie de detalles autobiográficos que la hacen muy interesante.
Con guiños a otros realizadores,Fellini,De Sica,al mundo de la música,Beethoven,Bach,citas a Shakespeare,Proust…y un constante homenaje al jazz con temas como «Sweet Georgia Brown»,»Moonlight Serenade».Y no quiero olvidar decir que después de haber visto hace una semana a Charlotte Rampling y verla ahora en ésta con 35 años menos me he quedado hipnotizada.
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